René Magritte, el surrealista belga, era, como es sabido, un excéntrico. En una ocasión enumeró las cosas que odiaba: el pasado, las artes decorativas, el folclore, la publicidad, las voces que hacen anuncios, la aerodinámica, los Boy Scouts, el olor a naftalina y la gente ebria.
Sobre todo, detestaba que alguien creyera poder encontrar un significado simbólico en su obra.
En 1966, mostró una pintura nueva a un amigo poeta y se alegró cuando este la miró y quedó desconcertado. "Un momento de pánico me repatria", le dijo más tarde a la historiadora del arte estadounidense Suzi Gablik, como si el rechazo del significado no fuera una postura intelectual, sino un país al que podía regresar, el lugar al que pertenecía. "Estos son los momentos privilegiados que trascienden la mediocridad", añadió.
Una muestra colectiva titulada Esto todavía no es una pipa: la vida posterior de Magritte, que se presenta en la galería Grosvenor Hill de Gagosian en Londres hasta el 12 de diciembre, indaga cómo los artistas continúan persiguiendo esa misma capacidad de desconcertar.
En una entrevista a mediados de septiembre, el curador británico Jasper Sharp, cocurador de la exposición, señaló la vigencia de Magritte. Si bien sus obras más célebres parecen antiguas porque forman parte del lenguaje visual desde hace mucho tiempo —la pintura de una pipa que declara en su título que no es una pipa, el hombre con sombrero hongo, la figura con una manzana por cabeza—, muchos cuadros del belga no desentonarían en Frieze London, la feria de arte contemporáneo que se celebra en Regent's Park y abre al público desde el jueves hasta el 18 de octubre.
Al referirse a la obra de 1948 La marcha triunfal, con sus pies bulbosos y separados del cuerpo, provistos de rostros de payaso obscenos, Sharp afirmó: "Si tú y yo viéramos eso al recorrer la carpa de Regent's Park en octubre, estaríamos seguros de que fue hecho en los últimos seis meses".
Junto a 50 pinturas y obras sobre papel de Magritte —varias de ellas prestadas por colecciones privadas de artistas— se exhiben piezas de 46 creadores contemporáneos invitados por Sharp y su cocurador, Bernard Lagrange, director belga de Gagosian Art Advisory, la consultora de mercado artístico de la marca.
Algunos artistas se sorprendieron con la invitación. Uno la rechazó. La mayoría aceptó de inmediato y varios realizaron obras nuevas. Sharp explicó que la intención no era identificar a todos quienes alguna vez mencionaron a Magritte, sino encontrar afinidades de propósito.
Gablik escribió en 1970 el primer libro definitivo sobre Magritte. En 1959 vivió ocho meses en Bélgica con el artista y su esposa, Georgette, y continuó su investigación durante años. Sharp señaló que muchas exposiciones posteriores se han ajustado a las categorías con las que Gablik ordenó su obra.
En cambio, Sharp y Lagrange concibieron temas propios, más imprecisos, al intuir conexiones con los artistas invitados. Entre ellos figuran el temor, la compresión, la claustrofobia y la normalidad. "Veo una banalidad en buena parte del arte contemporáneo, una banalidad deliberada o una inexpresividad que considero que él domina", dijo Sharp sobre Magritte.
También se exponen obras realizadas durante la vida de Magritte. Entre ellas están Sky TV, de 1966, de Yoko Ono, quien apuntó una cámara por la ventana y transmitió imágenes del cielo en el televisor de su casa; y una pintura de Ed Ruscha con un pájaro gigante, realizada ese mismo año, cuando conoció a Magritte.
Entre las piezas recientes, Sharp se sorprendió de que los artistas a veces se concentraran en la misma referencia de Magritte. La exposición incluye una gouache de una pintura muy temprana, Placer, de 1927, en la que una mujer mastica un cuervo mientras la sangre cae sobre el encaje blanco de su cuello. "Tres artistas distintos me mencionaron esta pieza", dijo Sharp, entre ellos la pintora estadounidense Dana Schutz, quien realizó en respuesta un lienzo titulado La cantante.
Otros artistas han señalado desde hace tiempo la afinidad que sienten con el maestro belga. El artista conceptual venezolano-estadounidense Alex Da Corte, destacado recientemente como innovador en la lista inaugural Time 100 Art 2026, ya había retomado títulos de Magritte para instalaciones propias.
Sharp ubicó la escultura de Da Corte de 2018, Farola para borracho, en la entrada, delante de una pintura de 2016 de la artista estadounidense Laura Owens, compuesta por garabatos blancos sobre un fondo azulado. Según Sharp, es una reinterpretación "con un poco de ironía" de la emblemática serie de Magritte El imperio de la luz, integrada por 27 variaciones de un paisaje urbano nocturno iluminado por una farola bajo un cielo nublado y diurno. "Magritte te da permiso, mediante el montaje, para tomarte ese tipo de libertades, más que riesgos", afirmó Sharp.
El imperio de la luz funciona como principio organizador de la muestra. Desde la recepción, los visitantes llegan a una gran sala nocturna. Con iluminación tenue, varias esculturas se agrupan sobre un alto pedestal revestido de madera en el centro del espacio.
Luego atraviesan una sala de transición similar a un gabinete, con paneles de madera en las paredes oscurecidos para igualar el piso. Allí, obras sobre papel de Magritte conviven con delicados dibujos del artista multimedia Matthew Barney y grabados en blanco y negro de ojos separados del cuerpo, realizados por la fotógrafa japonesa Kazuna Taguchi, entre otros.
En la segunda sala, la diurna, un pedestal más bajo construido con ladrillos exhibe la maleta con la que Magritte viajaba por el mundo, junto a una combinación de esculturas. Entre ellas hay pequeñas maquetas de algunas formas abstractas de Sitzengebliebene, la serie escultórica monumental en curso de Nairy Baghramian, cuyo título puede traducirse como "Los que se quedan sentados". Sharp indicó que se parecen de manera exacta a personajes de pinturas del período "vache" de Magritte, de 1948. "Cuando Baghramian las propuso, mi corazón dio un salto", recordó.
Entre las pinturas figura El ecuador, de Magritte, de 1942, vista por última vez en público en la película de 2025 de Wes Anderson, El esquema fenicio. La obra aparece como pieza destacada de la colección de arte reunida por el personaje principal, el industrial Zsa-Zsa Korda, interpretado por Benicio Del Toro.
El diseño de la exposición incorpora pesadas cortinas corredizas que cubren las paredes desde el techo hasta el suelo, con secciones recortadas que enmarcan obras de Magritte colocadas detrás de un cristal. Las cortinas son un motivo recurrente en los interiores del pintor. "En cuanto lo ves, piensas: "¡Claro!"", dijo Sharp. "Está en toda su obra".
Los colores también proceden directamente de los lienzos de Magritte: verde bosque oscuro, rubor anaranjado, rojo de vetas profundas y dos tonos distintos de azul.
Las obras cuelgan muy cerca unas de otras y a menudo están superpuestas, como en los salones de comienzos del siglo XX que Magritte conoció. Esa proximidad genera diálogos visuales: una botella pintada con cielo de Magritte junto a una botella con un ladrillo dentro del artista visual italiano Maurizio Cattelan, y pequeños ladrillos del escultor estadounidense Charles LeDray apilados cerca.
Museos de todo el mundo han celebrado el centenario del Manifiesto surrealista de André Breton, publicado en 1924, y el mercado ha mostrado un entusiasmo similar. La base de datos de precios de Artnet registra un aumento del 65 % en las ventas totales de obras surrealistas en subastas entre 2020 y 2024. Una de las versiones de El imperio de la luz de Magritte, de 1954, se vendió por $ 121 millones y estableció un nuevo récord en subasta para una obra del artista. Sin embargo, esa no fue la razón por la que Sharp propuso la muestra.
El motivo es la influencia persistente de Magritte. Fue el artista que figuras como Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Jeff Koons descubrieron por cuenta propia en la década de 1960 y comenzaron a coleccionar cuando hicieron fortuna. También es una referencia fundamental para algunos de los nombres más importantes del arte contemporáneo, entre ellos Sonia Boyce, quien representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia de 2022.
Magritte también está presente en el trabajo de artistas emergentes. Una de las participantes de la exposición, la pintora polaca Joanna Wos, acaba de terminar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Viena, de la que se graduó este año.
El afecto del público por Magritte también está consolidado. Durante los seis años que Sharp trabajó en la Colección Peggy Guggenheim de Venecia, entre 1999 y 2005, la versión de El imperio de la luz que conserva la institución solo salió una vez en préstamo, y los visitantes se molestaron mucho. "Se había convertido en parte de la arquitectura del edificio. Cuando no estaba, era como si se hubiera derrumbado una pared", afirmó.
Sharp describió a Magritte como "un artista de imanes para heladera y repasadores" cuya obra, a diferencia de la de otros creadores debilitados por su ubicuidad en la cultura popular —mencionó a Salvador Dalí—, no ha perdido potencia ni vigencia.
Al salir de la galería, los visitantes ven dos fotografías tomadas en el funeral de Magritte en 1967 por el fotógrafo belga Georges Thiry. Una de ellas muestra la tumba recién excavada, con un montón de tierra a un costado.
Sharp se mostró encantado cuando la encontró. "Casi parece que se hubiera escapado y anduviera por ahí", dijo. El embaucador todavía mantiene alerta al mundo del arte.
Fuente: The New York Times
